W latach 1400–1600 w epoce renesansu nastąpiła wielka ewolucja stylów kompozycji muzycznej, zwłaszcza muzyki chóralnej. Poniżej wymieniłem cztery piękne utwory skomponowane w tym okresie, z których wszystkie wykonałem i uwielbiałem. Znajdziesz tekst każdego utworu z tłumaczeniem na angielski, kilka ogólnych komentarzy na temat utworu lub jego tła oraz przewodnik dla słuchaczy, który odpowiada określonym miejscom w osadzonych nagraniach na YouTube. Słuchaj tyle, ile chcesz, z przewodnikami lub bez - najważniejszą częścią jest odpocząć od wszystkiego, co robisz i cieszyć się tą wspaniałą muzyką.
1. Ave Verum Corpus (William Byrd ok. 1605)
Tekst i tłumaczenie: (źródło)
Ave verum corpus / n atum de Maria virgine / v ere passum immolatum / in crucis pro homine. / Cuius latus perforatum / unda fluxit sanguine. / Esto nobis praegustatum / in mortis egzaminować. / O dulcis, o pie / O Jesu Fili Mariae / miserere mei / Amen.
Witaj, prawdziwe ciało / zrodzone z Dziewicy Maryi / która naprawdę cierpiała, została zabita / na Krzyżu dla ludzkości. / Czyja strona została przebita / wylewając wodę i krew. / Bądź dla nas przedsmakiem / podczas naszej próby śmierci. / O słodka, o święta / O Jezu Synu Maryi / zmiłuj się nade mną / Amen.
Uwagi ogólne:
Jeden z moich ulubionych faworytów, Ave Verum Corpus jest wypełniony pięknymi dysonansami, aby podkreślić ból tekstu o ukrzyżowaniu Chrystusa. Zastanów się, jak fluktuacje między dużymi i mniejszymi akordami (niektóre z nich wskazałem poniżej) ilustrują tekst. Zwróć także uwagę na momenty homofonii (kiedy wszystkie głosy śpiewają razem słowa w tym samym rytmie) w porównaniu z przypadkami, gdy części głosowe mają rozłożone wejścia i jakie to ma wpływ na przenoszenie tekstu. Najpiękniejsze momenty tego utworu to dla mnie zawieszenie: chwile, w których nuty śpiewane przez dwie lub więcej partii głosu są wyraźnie dysonansowe przez jeden lub dwa uderzenia, zanim jedna część przesunie się w górę lub w dół nuty, aby rozwiązać napięcie. Zwykle jest to wynikiem tego, że jedna część pozostaje na nucie, gdy akord zmienia się wokół niej, a następnie przekształca się w nutę w nowym akordzie.
Przewodnik słuchania:
0:07: Zauważ, że akord otwierający jest homofoniczny (wszystkie głosy wchodzą w tym samym czasie na te same słowa i rytmy).
0:23: Zwróć uwagę, jak dźwięk rozjaśnia się w szereg głównych akordów na słowach „natum de Maria virginae” lub „urodzony z dziewicy Maryi”.
0:57: Słuchaj zawieszenia „homine” (w partii altowej); sprawdź, czy w tym miejscu możesz usłyszeć coś satysfakcjonującego.
1:12: Zwróć uwagę, w jaki sposób części głosowe wchodzą w różnych momentach, nakładając się na słowa „unda fluxit sanguine” lub „wylewając wodę i krew”, aby przedstawić publicznie ideę wylewania lub płynięcia.
1:36: Słuchaj crescendo (coraz głośniej) w „mortis” lub „death” - to jedna z głównych kulminacji utworu, podkreślająca dramat tego słowa.
1:46: Głosy nagle stają się łagodniejsze i słodsze w „o dulcis, o pie” lub „o sweet, o holy”. Sopran śpiewa sam przed wejściem innych części, przyczyniając się do poczucia lekkości i czystości.
2:08: Zwróć uwagę na piękne zawieszenie „Mariae”, tym razem w części tenorowej.
2:15: Części głosu pojawiają się w innym czasie w tekście „miserere mei” lub „zmiłuj się nade mną”, reprezentując poszczególne głosy w tym bardziej osobistym oświadczeniu
2:43: Muzyka powtarza teraz sekcję zaczynającą się od „o dulcis, o pie”, jeszcze bardziej miękko i słodko, aby zakończyć utwór.
3:47: Delektuj się kolejnym soczystym dysonansem między nutą tenorową a nutami alt / bas.
2. Ultimi Miei Sospiri (Philippe Verdelot ok. 1520 roku?)
Tekst i tłumaczenie:
Ultimi miei sospiri / che mi lassate fredd'et sença vita, / contate i miei martiri / a chi morir 'mi ved'et non m'aita. / Dite, o beltà infinita, / dal tuo fedel 'ne caccia empio martire. / Et se questo gli è grato, / gitene ratt'in ciel 'a miglior' stato. / Ma se pietà le porg'il vostro dire, / tornat'in me, ch'io non vorrò morire.
Moje umierające oddechy / które sprawiają, że jestem chłodny i martwy, / opowiadam o moich cierpieniach temu / który widzi, że ginę i nie pomaga mi. / Mów, o nieskończone pięknie, / aby twojemu wiernemu oszczędzono cierpienia bezlitosnego. / A jeśli to jej się podoba, / idź szybko do nieba i do lepszego stanu. / Ale jeśli twoje słowa wzbudzają jej litość, / wróć do mnie, bo nie chcę umrzeć.
Uwagi ogólne:
Utwór ten jest klasycznym przykładem wczesnego madrygala, pewnego rodzaju świeckiej, chóralnej muzyki chóralnej pochodzącej z Włoch. Nawet kompozytorzy spoza Włoch często używali tekstu i poezji napisanej w języku włoskim, co stanowi przykład. Jedną z moich ulubionych rzeczy w tym utworze jest dźwięk głębokich wejść basowych (najniższa część głosowa z 6), szczególnie w tym cudownym nagraniu King's Singers. Usłyszysz dużo imitacji między częściami głosu, co tworzy interesującą polifoniczną teksturę (przeciwieństwo homofonii: części głosu śpiewają tekst w różnych momentach z różnymi rytmami). Staraj się słuchać powtarzających się wierszy tekstu przekazywanych między głosami - dzieje się to wszędzie w całym utworze.
(Uwaga: w tytule wideo na YouTube występuje błąd pisowni. To „Ultimi”, a nie „Ultima”.)
Przewodnik słuchania:
0:11: Usłysz pierwsze wspaniałe wejście basowe ...
0: 23-0: 28 i 0: 33-0: 38: Zwróć uwagę, jak śpiewacy podkreślają dźwięk „lassate”, aby pomóc nam usłyszeć powtórzenie tego słowa w różnych częściach.
0:50: Kolejne satysfakcjonujące niskie wejście.
1:20: Utwór zaczyna przybrać na sile i tonacji, akcentując błagalny tekst „dite, o beltà infinita” lub „speak, O nieskończone piękno”.
2:03: Słuchaj rzadkiej homofonicznej chwili w wyższych głosach na „gittene ratt'in ciel” lub „idź szybko do nieba”; lekkość wyższych głosów może reprezentować ten ruch w górę do nieba, a homofoniczna faktura stanowi krótki kontrast z resztą ciągle nakładających się linii utworu.
2: 36-2: 52: Po bardziej miękkim fragmencie utwór zaczyna znów nabierać objętości i intensywności, konsekwentnie lądując na niewielkich akordach słowa „ja” (co stanowi rodzaj mrocznego akcentu).
3:07: Posłuchaj pięknego zawieszenia w partii alt 1.
3. Je me narzeka na piteusement (Guillaume Dufay ok. 1423)
Tekst i tłumaczenie:
Je me narzeka na piteusement / a moi tout seul plus qu'a nullui, / de la griesté, paine e tourment, / Que je souffre plus que ne di. / Dangier me tient en tel soussi / Qu'eschever ne puis sa rudesse, / et Fortune le veult aussi, / mais, par ma foy, ce fait Jonesse.
Aby zobaczyć tłumaczenie na angielski, kliknij tutaj. Zasadniczo tekst dotyczy bólu i cierpienia „miłości” - i jest dość melodramatyczny!
Uwagi ogólne:
Ten utwór powinien brzmieć wyraźnie inaczej niż inne; chociaż technicznie zostało napisane we wczesnej epoce renesansu, brzmienie Dufaya jest dość średniowieczne. Słuchaj pustych dźwięków otwartych piątych na końcach fraz i sposobu, w jaki części głosowe nakładają się, zamiast zajmować różne zakresy nut. Zwróć także uwagę na rytmiczną i tekstową niezależność części głosowych (tzn. Śpiewają tekst w nieco innym czasie i nieco innym rytmie). Przyczynia się to do nieco chaotycznego (i klasycznego średniowiecznego) dźwięku, którego większość z nas nie jest przyzwyczajona do słyszenia. Kolejnym średniowiecznym elementem jest użycie głosów w muzyce, która nie jest nałożona na tekst; śpiewacy używają w tych sekcjach dźwięków samogłosek takich jak „ee” lub „eu”.
Tej wersji na YouTube towarzyszą instrumenty; bajeczną aranżację wokalu a cappella można znaleźć w nagraniu Blue Heron na Spotify.
Przewodnik słuchania:
0: 11-0: 14: Posłuchaj tego fragmentu melodii (śpiewanego najwyższym głosem, który wyskakuje z tekstury) i sprawdź, czy możesz go usłyszeć w całym utworze (powraca kilka razy) . Uwielbiam sposób, w jaki brzmi ta część!
0:44: To oznacza początek sekcji bez tekstu (śpiewanej w „ee”). Zauważ, jak głosy emulują instrumenty muzyczne i jak szybki, stabilny rytm i nakładające się nuty tworzą rodzaj falującego efektu przypominającego falę.
1:00: Oto przykład pustej piątej na końcu frazy - zwróć uwagę na stylistyczny wybór piosenkarzy do decrescendo (zmiękczenie), zamiast w niego uderzać.
1:04: Posłuchaj krótkiej homofonii na początku tego rozdziału, która bardziej przypomina późniejszą muzykę renesansową niż inne części utworu.
1:30: Kolejny przykład otwartej piątej, który jest nieco łatwiejszy do usłyszenia.
1:32: Drugie wystąpienie sekcji bez tekstu.
4. Spem in alium (Thomas Tallis ok. 1570)
Tekst i tłumaczenie: (źródło)
Spem in alium nunquam habui / praeter in te, Deus Israel, / qui irasceris, et propitius eris, / et omnia peccata hominum / in tribulatione dimittis. / Domine Deus, twórca caeli et terrae, / respice humilitatem nostram.
Nigdy nie pokładałem nadziei w nikim innym niż wy, Bogu Izraela, / który może okazać zarówno gniew, jak i łaskę / i rozgrzeszyć wszystkie grzechy / cierpiącego człowieka. / Panie Boże, Stwórco Nieba i Ziemi / bądź świadomy naszego upokorzenia.
Uwagi ogólne:
Ten niesamowity utwór ma najwięcej głosów w każdym utworze chóralnym (40!). Głosy są podzielone na 8 chórów po 5 głosów (sopran, alt, tenor, baryton i bas). Nie każdy chór śpiewa w każdej chwili (często wymieniają sekcje w grupach po dwa chóry), ale jest kilka niesamowitych sekcji, w których wszystkie partie śpiewają jednocześnie, tworząc gęsty, bogaty dźwięk. Oczywiście niektóre głosy śpiewają te same nuty (jednocześnie nie brzmi 40 różnych dźwięków), ale Tallis zmienia rytmy i kolejność nut różnych partii, aby stworzyć gęstą fakturę nut w tym samym akordie.
Z doświadczenia wiem, że bardzo łatwo się zgubić podczas śpiewania lub słuchania tego utworu ze względu na ciągłe nakładanie się rytmów. Zwykle doświadczony słuchacz może rozpoznać na podstawie uderzenia (pierwszego taktu, który zwykle zyskuje dodatkowy nacisk) każdego taktu utworu, ale niezwykle trudno jest to zrobić w tym utworze po około 30 sekundach. Efektem tego jest dla słuchacza niekończąca się masa dźwięku, a poszczególne linie są trudne do wybrania. Podkreśliłem poniżej kilka konkretnych momentów, których należy słuchać po drodze, ale głównie po prostu usiądź i ciesz się atmosferą tego!
Przewodnik słuchania:
Sprawdź, czy możesz usłyszeć wejścia poszczególnych części, gdy pojawiają się one z tekstem „spem in alium” (od początku do 2:12).
2:30: To pierwszy moment, w którym wszystkie partie śpiewają jednocześnie!
Sprawdź, czy możesz usłyszeć sopran bezpośrednio naśladujący linię melodyczną tenora na „qui iraceris” (tenor o 2:54, sopran o 3:00).
4:35: Posłuchaj wszystkich części śpiewających razem na „et omnia peccata hominum” (to jedna z moich ulubionych chwil).
7:19: Po chwili wszyscy śpiewają (głównie) homofonicznie pierwsze dramatyczne stwierdzenie „szacunku”.
8:19: Po raz kolejny każda część przychodzi na „respice” po odpoczynku: odtąd jest to powolne i stałe narastanie do bujnego zakończenia.
Muzyka renesansowa jest dla absolutnie wszystkich
Mam nadzieję, że podobało Ci się słuchanie tych utworów i korzystanie z przewodników jako sposobu na większe zaangażowanie. Pamiętaj jednak: nie ma dobrego ani złego sposobu na ich wysłuchanie. Odkryj swoje ulubione części i opisz je w dowolny sposób; absolutnie nie musisz znać teorii muzyki, aby opisać to, co lubisz w danym utworze lub sekcji. Muzyki należy się bawić, tańczyć, rozmawiać, nucić i przywoływać uczucia, których nie potrafimy wyjaśnić. Mam nadzieję, że nadal będziesz badać te i inne utwory z tej pięknej epoki muzyki chóralnej.
