Ernest Chausson (1855–1899) - Poème, op. 25
Chausson był francuskim kompozytorem, którego obiecującą karierę przerwała jego przedwczesna śmierć w wieku 44 lat. Po ukończeniu studiów prawniczych poszedł na studia kompozycji w Konserwatorium Paryskim u Masseneta i Francka. Pracował w Société Nationale de Musique - organizacji promującej muzykę francuską aż do jego śmierci.
Jego kompozycja była niewielka, ale znacząca. Jednym z wyróżniających się utworów jest Poème na skrzypce i orkiestrę. To jedno-ruchowe dzieło zostało opublikowane w 1896 r. Na prośbę belgijskiej skrzypaczki Eugène Ysaÿe. Opiera się na Pieśni o miłości triumfalnej ( Le Chant de l'amour triomphant ) rosyjskiego pisarza Iwana Turgieniewa, która opowiada historię dwóch młodych mężczyzn zakochanych w tej samej kobiecie.
Utwór zaczyna się w mrocznym i ponurym nastroju, a skrzypce wkraczają w intymną, przypominającą kadencję wypowiedź. Muzyka wkrótce staje się bardziej namiętna, a partia skrzypiec zamienia się w emocjonalny pokaz lirycznych melodii i wirtuozowskich fragmentów. Skrzypek Vincent P. Skowronski udzielił rady skrzypkom próbującym wykonać ten utwór:
„Poème to długa, trudna i porywająca gra, więc musisz oszczędzić tyle energii, ile możesz. Ale zużywaj tyle energii, ile może znieść Twoja kalejdoskopowa paleta, ponieważ rzadko masz okazję zwolnić z tak dużą ilością skrzypcowej świetności. ”
Vadim Repin gra Poème Chaussona
Ralph Vaughan Williams (1872-1958) - The Lark Ascending
Lark Ascending (1881) to wiersz George'a Meriditha, który opowiada historię skowronka śpiewającego pieśń niebiańską. Zainspirował Vaughana Williamsa do skomponowania utworu muzycznego na skrzypce i fortepian o tej samej nazwie w 1914 r., A następnie w 1920 r. Na skrzypce i orkiestrę. Utwór ten został poświęcony brytyjskiej skrzypce Marie Hall, która miała premierę obu wersji. Od tego czasu stał się popularnym utworem, szczególnie w Wielkiej Brytanii, gdzie jest regularnie wykonywany.
Kompozytor zacytował wiersze wiersza w fly-leaf swojej partytury. Muzyka jest bardzo sugestywna i wykazuje cechy impresjonizmu. Zastosowanie pentatonicznych skal, trybów i swobodnie płynących rytmów tworzy atmosferę silnie związaną z angielskim krajobrazem. Spokój muzyki, skomponowany w czasie I wojny światowej, był sprzeczny z sytuacją w tamtym czasie. Ten utwór stał się reprezentacją stylu angielskiego w czasach, gdy kraj próbował ustalić tożsamość narodową.
Janine Jansen gra The Lark Ascending Vaughana Williamsa
Camille Saint-Saëns (1835-1921) - Danse Macabre, op.40
Danse Macabre, znany również jako Taniec Śmierci, był pierwotnie piosenką artystyczną na głos i fortepian na podstawie tekstu Henri Cazalisa. W 1874 roku Saint-Saëns zamienił się w poemat na orkiestrę z wybitną partią skrzypiec solo, zwykle graną przez koncertmistrza.
Muzyka zaczyna się od dwunastu powtarzanych dźwięków harfy, sygnalizujących, że zegar wybił północ. Skrzypce solo wchodzą następnie w tryton - często nazywany w muzyce diabłem, z otwartymi strunami, w których struna E została nastrojona do Es - scordatura . Zagadkowe tematy taneczne były następnie przekazywane do różnych sekcji instrumentów, z rosnącą intensywnością i energią. Cytat z Dies Irae - Requiem zwykle słyszany na pogrzebie, można usłyszeć w środku utworu. Pod koniec utwór zmienia się nagle z motywem oboju, który przypomina kruka koguta, a następnie spokojna melodia tonacji głównej grana na skrzypcach solo, co sugeruje, że świt się zaczyna.
Saint-Saëns - Danse Macabre, op. 40
Leonard Bernstein (1918-1990) - Serenada po Sympozjum Platona
Serenada Bernsteina po sympozjum Platona została skomponowana na skrzypce solo, smyczki, harfę i perkusję w 1954 r. Można ją uznać za pięcioczęściowy koncert skrzypiec. Sympozjum jest tekstem filozoficznym Platona, który przedstawiał fikcyjny dialog grupy wybitnych mężczyzn na temat miłości. Bernstein nazwał każdą sekcję swojej muzyki prelegentem sympozjum.
Fundacja Koussevitzky'ego zleciła tę pracę, a Bernstein poprowadził premierę w 1954 roku z Izaakiem Sternem jako solistą. Jest niezwykle trudny zarówno dla skrzypka, jak i orkiestry ze względu na często zmieniający się licznik i nieprzewidziany rytmiczny wzór. Skrupulatność Bernsteina widać w całym zapisie, który uważany jest za jedno z jego najlepszych dzieł w sali koncertowej.
Bernstein napisał następujący komentarz do swojej Serenady:
I. Phaedrus — Pausanias (Lento — Allegro): Phaedrus otwiera sympozjum liryczną oracją na cześć Erosa, boga miłości. (Fugato, założony przez skrzypce solo). Pausanias kontynuuje opisując dwoistość kochanka i ukochanej. Jest to wyrażone w klasycznej sonacie-allegro, opartej na materiale otwierającego fugato.
II. Arystofanes (Allegretto): Arystofanes nie odgrywa roli klauna w tym dialogu, lecz rolę gawędziarza na dobranoc, przywołując bajkową mitologię miłości.
III. Erixymachus (Presto): Lekarz mówi o harmonii cielesnej jako naukowym modelu działania wzorców miłości. To wyjątkowo krótkie scherzo fugato, zrodzone z mieszanki tajemniczości i humoru.
IV. Agathon (Adagio): Być może najbardziej poruszająca mowa dialogu, panegiryk Agathona obejmuje wszystkie aspekty mocy, uroków i funkcji miłości. Ten ruch jest prostą trzyczęściową piosenką.
V. Sokrates - Alcibiades (Molto tenuto - Allegro molto vivace): Sokrates opisuje swoją wizytę u widzącego Diotimy, cytując jej przemówienie na temat demonologii miłości. Jest to powolne wprowadzanie większej wagi niż jakikolwiek z poprzednich ruchów i służy jako wysoko rozwinięta powtórka środkowej części ruchu Agathon, sugerując w ten sposób ukrytą formę sonaty. Słynna przerwa Alcibiadesa i jego zespołu pijanych biesiadników zapoczątkowuje Allegro, które jest rozszerzonym rondo od ducha, od pobudzenia poprzez jigową muzykę taneczną po radosne świętowanie. Jeśli podczas uroczystości pojawi się odrobina jazzu, mam nadzieję, że nie będzie ona traktowana jako anachroniczna grecka muzyka partyjna, ale raczej naturalny wyraz współczesnego amerykańskiego kompozytora nasyconego duchem tej ponadczasowej kolacji.
„Dzieła sztuki tworzą reguły; reguły nie tworzą dzieł sztuki”. - Claude Debussy
