Wprowadzenie
„J-pop”, jak czule nazywa się japońską muzykę pop zarówno w Japonii, jak i poza nią, jest popularną formą muzyki w Japonii i cieszy się dużym kultem na całym świecie. Chociaż J-pop zyskał swoją nazwę i status dopiero w latach 90., swoje pierwsze przyczółki uzyskał w latach 60. XX wieku, a nawet można go przypisać do okresu przedwojennego w historii Japonii.
Wiele twarzy i wielu nazwisk zapuściło się w historii J-popu - to centrum będzie badać początki J-popu oraz twórców i shakerów, którzy ukształtowali go w to, czym jest dzisiaj, jednocześnie podkreślając mody i epoki, które nie będą łatwe zapomniane .... wszystko przy jednoczesnym zwięzłości. Kontynuujmy.
The Earliest Days: Jazz and Ryuukouka (1920s-1950s)
Współczesną japońską muzykę popularną można prześledzić już w okresie Taisho (1912–1926), kiedy instrumenty zachodnie, takie jak smyczki i harmonijka ustna, stały się popularne podczas występów muzycznych. W tym czasie popularność zachodniego jazzu i bluesa wzrosła w całej Japonii, a współcześni kompozytorzy zaczęli wlewać zachodnie elementy jazzu do swoich dzieł. Jednak piosenki te zostały napisane w skali pentatonicznej, która została uznana za „japoński” sposób śpiewania.
Jazz nadal zyskiwał na popularności aż do czasów wojny na Pacyfiku, w których rząd zakazał mu propagowania propagandowych „pieśni wojennych”, które obejmowały tradycyjne marsze. Wielu pionierskich kompozytorów epoki przedwojennej zostało zaciągniętych do napisania tych piosenek lub w inny sposób oznaczonych jako koncerny międzynarodowe.
Wraz z końcem wojny przybyli żołnierze zachodni, a wraz z żołnierzami zachodnimi znów przyszedł jazz. Japońska muzyka popularna powróciła do jazzu i bluesowej fuzji, a kawiarnie, w których można było posłuchać „autentycznego” jazzu, zwanego „jazzowymi pocałunkami”, powstały wszędzie. Aby zapewnić rozrywkę zachodnim żołnierzom, japońscy muzycy zaczęli kręcić zachodnie przeboje, powoli wprowadzając swój styl do własnej japońskiej muzyki. Ryuukouka, dosłownie „muzyka popularna”, rozwijała się aż do niesławnego „podziału” na początku lat 60.
True Origins: Kayoukyoku (1960)
Choć kiedyś używane zamiennie z ryuukouką, kayoukyoku („Liryczna muzyka śpiewająca”) oficjalnie odnosi się do fuzji japońskich kompozycji z zachodnimi elementami i jest uważane za prawdziwe pochodzenie współczesnego J-popu. W latach 60. kayoukyoku rządziło obok bardziej tradycyjnego stylu enka, a artyści obejmowali ruch „rockabilly” (wprowadzenie muzyki rock and roll). Szczególnie popularne stało się tłumaczenie zachodnich piosenek na japoński i ich zakrycie, nadając kayoukyoku boomowi „cover pops”. Z biegiem czasu muzycy zaczęli pisać własną muzykę inspirowaną stylem zachodnim na podstawie oryginalnych tekstów.
Rock and roll przyniósł ze sobą gitarę elektryczną, a Beatlemania można było również zauważyć w całej Japonii. Dzięki popularności obu podgatunków kayoukyoku, zwanych „Group Sounds”, wyrósł, choć jego kadencja była co najwyżej niepewna . Group Sounds próbowało odtworzyć motyw zespołu rockowego z japońskimi muzykami, ale kontrowersje spotęgowały się, gdy członkowie spierali się o to, czy rock and roll można zrobić w języku japońskim. Wiele zespołów walczyło o zdobycie pozycji, gdy debatowały między śpiewaniem w języku angielskim lub japońskim. W końcu Group Sounds zamarło na kilka lat, kiedy nikt nie był w stanie udzielić jednoznacznej odpowiedzi.
Być może największy sukces tej epoki należy do byłego członka The Drifters Kyu Sakamoto, którego utwór „ Ue wo Muite Arukou ” został przemianowany na „ Sukiyaki ” i wydany w Stanach Zjednoczonych. Piosenka stała się hitem, nawet w języku japońskim, i osiągnęła szczyt listy Billboard. Jest to pierwsza i jedyna japońska popularna piosenka, która osiągnęła 1. miejsce na amerykańskim liście Billboard.
Obok sławy i wyróżnienia Sakamoto byli The Peanuts, para żeńskich bliźniaków, które odcisnęły swoje piętno w klasycznym japońskim filmie o potworach Mothra . Drifters również odradzają się i stali się jedną z pierwszych popularnych grup, które zdobyły własny program rozrywkowy. Tymczasem po stronie enka artyści tacy jak Keiko Fujii rozbili rekordy Oricona pod koniec lat 60. - stałaby się trwałym symbolem postrzeganego sporu między kayoukyoku i enką, zwłaszcza od początku lat 70. i ery bożków.
Developing a Voice: New Music and City Pop (1970s-1980s)
Chociaż muzyka „ludowa” cieszyła się popularnością pod ziemią w latach 60., większość piosenek była albo coverami zachodnich przebojów, albo zawierała proste uniwersalne przesłania. Począwszy od wczesnych lat 70., trendy zwróciły się w kierunku personalizacji i komplikacji muzyki ludowej i narodziła się dominująca era piosenkarza i autora piosenek. Piosenkarz i autor tekstów Yosui Inoue ustanowił bezprecedensową płytę ze swoim albumem „ Kouri no Sekai ”, gdy utrzymywał się na szczycie list przebojów Oricon przez 35 tygodni z rzędu. W tym samym czasie kobiety zaczęły być rozpoznawane jako siły muzyczne z takimi osobami jak Yumi Matsutoya (znana pod jej panieńskim nazwiskiem „Arai” na początku i w połowie lat 70.) i Miyuki Nakajima. Ta epoka namiętnego piosenkarza i autora tekstów znana była jako era „nowej muzyki”.
W tym czasie muzyka rockowa powoli wkradła się z powrotem do głównego nurtu, choć potrzeba było elektronicznych syntezatorów, aby została naprawdę rozpoznana. Zespoły Yellow Magic Orchestra i Southern All Stars zadebiutowały pod koniec lat 70.: ta pierwsza skupiła się głównie na elektronice, a druga udowodniła, że muzykę rockową można śpiewać po japońsku. Obaj wyprzedzili Nową Muzykę jako trend czasów i obaj są uważani za pionierów J-popu z wielką popularnością do dziś.
Yellow Magic Orchestra utorowała drogę do pojawienia się popularnego trendu „City Pop” na początku lat 80. City Pop skupiał się na żyjących miejskich i wielkomiejskich tematach z elementami elektronicznymi i jazzową fuzją na plecach. Większość City Pop odzwierciedlała boom gospodarczy lat 80. w Japonii z motywami nadmiaru i frywolności, które doprowadziły do jego ostatecznego upadku podczas „pęknięcia baniek” pod koniec lat 80.
Podobnie, z zespołami takimi jak Southern All Stars udowadniającymi, że rock and roll można robić w języku japońskim, japońska scena rockowa rozkwitła w latach 80-tych. Zespoły takie jak The Alfee, The Checkers, TM Network i Boøwy były zespołami męskimi, które pobiły rekordy i przyjęły nazwiska. Kobiety odniosły sukces także w muzyce rockowej, co widać w całej kobiecej grupie Princess Princess, która zdobyła zarówno pierwsze, jak i drugie miejsce w najlepszych singlach w 1989 roku.
Japońska muzyka rockowa przybrała szczególnie interesujący obrót, poczynając od późnych lat 80., wraz z pojawieniem się „visual kei”, niesławnego podgatunku muzyki rockowej, który koncentrował się na wyglądzie i teatralności członków zespołu tak samo, jak brzmiał muzyka. Elementy takie jak androgynia (w tym „odzież damska” u mężczyzn, duże włosy i makijaż) przyszły, by zdefiniować cały ruch „visual kei”. Największe nazwisko w „visual kei” jest także jednym z jego założycieli: do dziś X Japan pozostaje jednym z najbardziej znanych japońskich zespołów rockowych.
The Golden Era: Rise of the Female Idol (1980s)
Kobiety zaczęły zyskiwać na popularności w latach 70., takich jak Momoe Yamaguchi i kolorowy duet Pink Lady . W tym czasie nastąpiła zmiana w kayoukyoku, a Yamaguchi stała się jednym z pierwszych artystów, którzy kiedykolwiek używali specjalnego rodzaju wymowy podobnej do angielskiej w swoich piosenkach. Mimo że nadal uważany jest za artystę kayoukyoku, styl ten później stanowiłby wyraźną separację między klasycznym kayoukyoku i nowoczesnym J-popem.
Yamaguchi i jej współczesne kobiety, takie jak Junko Sakurada i Candies, były znane ze swojego zdrowego wizerunku podczas śpiewania piosenek z okazjonalnymi podtekstami seksualnymi. Ich popularność doprowadziła do dalszego brandowania przez wytwórnie płytowe solowych i aktorskich zespołów, które nabierają uroku „dziewczyny z sąsiedztwa”. W latach 80. eksplodowała era „idola” lub (zwykle) wokalistki wyrażającej czysty obraz.
Idole „Złotej Ery” oznaczają koniec ery kayoukyoku, a wielu starszych kompozytorów i autorów tekstów kayoukyoku przechodzi na produkcję kobiecych idoli przed przejściem na emeryturę. Kayoukyoku doświadczyło kolejnego wzrostu popularności, gdy artyści tacy jak Seiko Matsuda przełamali bezprecedensowy singiel 24 # 1 na listach przebojów Oricon. Inne artystki, takie jak Akina Nakamori, odważyły się przeciwstawić idolowi z „dziewczyny z sąsiedztwa”, przyjmując bardziej bezpośrednie podejście seksualne i śpiewając piosenki o złamanym sercu i zdradzie. Ostatecznie jej próba samobójcza doprowadziła do gwałtownego spadku jej popularności, pokazując jednak, że Japonia nie była gotowa na szorstką rzeczywistość, przed którą idole oferowali ucieczkę.
A jednak era bożków, wraz z większością kayoukyoku, zakończyła się, gdy seria nr 1 Seiko Matsudy została przełamana przez singla Tetsuya Komuro, szefa TM Network, „ Gravity of Love ”. W latach 90. Komuro definiował „J-pop”, gdy zaczęto nazywać kayoukyoku .
The Economic Power: Being and Tetsuya Komuro (1990-1997)
Lata 90. to ogromny punkt zwrotny w japońskiej muzyce popularnej. Nie tylko pojawił się termin „J-pop”, ale ogólnie J-pop stał się supermocarstwem gospodarczym, gdy Japonia podniosła się, by zdobyć honor drugiego przemysłu muzycznego na świecie (drugi tylko w USA). Zostało to osiągnięte dzięki sprytnym technikom marketingowym, w szczególności „powiązaniu” lub powiązaniu nowo wydanych utworów z reklamami, dramatami, filmami, anime, grami wideo i innymi mediami. Sprzedaż muzyki osiągnęła niespotykany dotąd poziom, a albumy i single biją nowe rekordy sprzedaży każdego roku.
Na początku lat 90. „Being System” zdominował większość sprzedaży J-popu. Zespoły takie jak B'z stałyby się najlepiej sprzedającym się aktem muzycznym w historii Japonii, chociaż inne zespoły, takie jak Wands, ZARD i Maki Ohguro, również odegrały dużą rolę w sprzedaży Beinga . Prawie wszystkie te grupy koncentrowały się na mocniejszych lub folk rockowych elementach, choć szybko się to zmieniło w miarę upływu dekady, a muzyka taneczna w stylu euro zaczęła być modna.
Na czele ruchu tanecznego stał „niezwyciężony producent” Tetsuya Komuro. Charakterystyczny elektroniczny dźwięk Komuro stałby się hitem w jego osobistym świecie zespołu (który kiedyś był rekordzistą dla większości egzemplarzy sprzedanych na jednym albumie) wraz z solowymi wytwórniami Namie Amuro, Ami Suzuki, Tomomi Kahala i hitomi. Ogólnie w tym okresie sprzedaż Komuro wyniosła ponad 170 milionów egzemplarzy, co czyni go najbardziej udanym producentem w historii Japonii.
Inne szaleństwa taneczne uderzyły w J-pop, w tym „eurobeat” i trance. Grupy zorientowane na Eurobeat, takie jak MAX (byłe koleżanki z zespołu supergwiazda Namie Amuro) również zdominowały listy przebojów, podczas gdy remiksy popularnych piosenek Eurobeat i trance miały zagwarantowane wysokie zyski. Era remiksów prawdopodobnie rozpoczęła się w latach 90., kiedy single przeszły z formatu CD 8 cm na 12 cm i mogły pomieścić więcej treści. Trance i eurobeat zaczęły tracić przychylność na początku lat dziewięćdziesiątych, ale nie wcześniej niż grupy takie jak globe mogły przejść z tradycyjnego J-popu na dźwięk trance.
Return of the Idols: Women vs. Johnny's (Late 90s-Early 00s)
Sukces solistek Komuro utorował drogę idolowemu „odrodzeniu” pod koniec lat 90., chociaż nie każda odnosząca sukcesy artystka solowa w tym okresie jest uważana za „idola”. Być może najbardziej znanym z nich jest piosenkarka i autorka tekstów Hikaru Utada (córka legendy enki Keiko Fujii), której wychowana w Ameryce wrażliwość doprowadziła ją do debiutu z cięższym brzmieniem RnB niż wcześniej w J-popie. Jej debiutancki album „ First Love ” sprzedał się w 1999 roku w ponad 7 milionach egzemplarzy, co czyni go najlepiej sprzedającym się albumem J-pop do dziś.
Utada nie była jednak pozbawiona „rywali”. W tym samym czasie, gdy panowała ekonomicznie, idol Ayumi Hamasaki zadebiutowała z serdecznymi tekstami, które przyciągnęły uwagę japońskiej publiczności. Hamasaki odniosła ogromny sukces ze szczytem w latach 1999-2004, kiedy wszystkie dziewięć jej albumów w tym okresie sprzedało miliony egzemplarzy każdego, a nawet jej liczne remiksy znalazły się na szczycie list przebojów. Hamasaki w końcu pobije rekord Seiko Matsudy dla większości kolejnych singli nr 1 (wciąż kontynuowanych) i stanie się najlepiej sprzedającą się artystką wszechczasów w Japonii.
Jednym z największych trendów wychodzących z nowej ery bożków była wieloosobowa grupa kobiet, której przewodzi Tsunku (z Sharam Q ), która wyprodukowała bardzo popularną grupę idolów Morning Musume i założyła Hello! Projekt, który składał się z wielu grup kobiet, czasem z nakładaniem się członków. Morning Musume działał w podobnym stylu jak Onyanko Club z epoki idola, z wieloma pokoleniami członków, którzy stale ewoluowali, ale zapewne odnosili znacznie więcej sukcesów. Cześć! Projekt odniósł znaczny sukces na początku lat dziewięćdziesiątych, ale ostatecznie odnotowano duży spadek popularności, który spowodował „stopniowanie” większości jego członków.
Kobiety nie były jedyną ważną wiadomością w tej erze. Potęga zespołu chłopców Johnny's & Associates pod koniec lat 90-tych stała się „fabryką męskiego idola”. Chociaż był to element sceny J-pop od czasów kayoukyoku, dopiero pod koniec lat 80. grupa Hikaru Genji z roletami zrobiła plus dla agencji. Wielu członków rezerwowych rozpadło się, tworząc megagrupę SMAP, którzy byli częścią sił sprzedaży w latach 90., chociaż wielu z jej członków zasłynęło ze swoich praw jako talenty i aktorzy. Johnny rozszerzył się w nowym tysiącleciu o grupy takie jak Tackey i Tsubasa, Arashi, NEWS, KAT-TUN, Hej! Mówić! JUMP i Kanjani 8. Każda grupa osiągnęła własny poziom ogromnego sukcesu, a sprzedaż w połowie XX wieku była głównie zdominowana przez grupy Johnny'ego . Takie grupy pozostają również jednym z niewielu „pewnych sprzedawców” na dzisiejszym rynku spadającym.
Urbanizacja J-popu: Hip-Hop i Rnb (połowa XX wieku)
Artyści tacy jak Zeebra i DOUBLE występowali w hip-hopie o japońskim smaku od lat 90., ale dopiero w XXI wieku dźwięk naprawdę stał się legalnym podgatunkiem J-popu. Wydaje się, że umiejętność Utady do amerykańskiego RnB w jej wcześniejszej muzyce odegrała dużą rolę w popularyzacji RnB w Japonii, chociaż wielu innych artystów również pracowało, aby ją zauważyć. Szczególnie duet Chemistry odniósł sukces w 2001 roku dzięki wydaniu albumu The Way We Are, który sprzedał się w ponad milionie egzemplarzy. Mniej więcej w tym samym czasie EXILE zadebiutowało i sprzedało miliony egzemplarzy swoich singli i albumów, stając się jednocześnie twarzami „J-Urban”.
Namie Amuro odrodziła swoją popularność około 2005 r. Wraz z wydaniem albumu Queen of Hip-Hop, który zapoczątkował nowe, charakterystyczne brzmienie połączenia normalnej muzyki J-pop z muzyką hip-hop. Amuro próbowała brzmienia RnB pod koniec lat 90. po oddzieleniu się od Komuro, ale jej popularność ucierpiała. W 2005 r. Amuro zyskało na znaczeniu, ponieważ ponownie stała się świetną artystką. Tymczasem artystka skupiona na RnB, Kumi Koda, nagle zobaczyła siebie u szczytu popularności mniej więcej w tym samym czasie, kiedy wydała swój pierwszy najlepszy album „ BEST ~ First Things ~ ”. Zanim Koda zmagała się ze swoimi utworami w stylu RnB, ale kiedy to przeszło milion sprzedaży, stała się jednym z najbardziej popularnych i płodnych artystów tamtych czasów. Jedną z największych nut Kody była jej podwyższona seksualność i odejście od „zdrowego” wizerunku bożka. Jej erotyczny styl stał się znany jako „ ero-kakkoii ” i oznaczał zmianę oczekiwań kobiet solowych w J-pop.
Hołd dla przeszłości: Folk, Shibuya i Seiyuu (koniec XX wieku)
Dwa wcześniej „martwe” style z lat 70. i 80. XX wieku przyniosły nową popularność, zaczynając od nowej „ludowej” mody przypominającej dni chwały w latach 60. i 70. W szczególności duety męskie, takie jak Yuzu i Kobukuro, stały się bardzo popularne. Pierwszy najlepszy album Kobukuro „ All Singles Best ” był pierwszym wielomilionowym sprzedawcą przez akt męski w nowym tysiącleciu. Podobnie Kobukuro stało się aktem kończącym pierwszą serię albumów Ayumi Hamasaki w 2008 roku.
Po drugiej stronie muzycznej monety Shibuya-kei powrócił w postaci producenta Nakata Yasutaka, członka elektronicznej kapsuły duetu. Początkowo duet powstał jako tradycyjny J-pop, po czym przekształcił się w shibuya-kei, zanim ostatecznie zyskał popularność w elektronice. Sam Yasutaka wyprodukował żeńską grupę Perfume, która wydała pierwszy elektroniczny album, który znalazł się na szczycie list przebojów od lat 80-tych Yellow Magic Orchestra - następnie wydał pierwszy elektroniczny singiel, który znalazł się na szczycie list przebojów „ Love the World ”. Yasutaka stał się również popularny w remiksowaniu piosenek dla obu grup Johnny'ego i próbowaniu ożywienia kariery takich jak Ami Suzuki.
Kolejnym trendem występującym pod koniec XX wieku był wzrost popularności seiyuu lub aktorów głosowych anime. W latach 90. seiyuu, takie jak Megumi Hayashibara, cieszyło się dużą popularnością w kręgach anime, ale ledwo zepsuło rynek J-pop. Jednak pod koniec XX wieku seiyuu stało się potężną siłą na rynku, kiedy album Nany Mizuki „ ULTIMATE DIAMOND ” znalazł się na szczycie list przebojów. Inne seiyuu, zarówno ustalone (jak Maaya Sakamoto), jak i nowe, podążyły jej śladem.
Azjatyckie idole: AKB48 i fala Hallyu (wczesne 10s)
W ferworze Cześć! Sukces projektu na początku lat dziewięćdziesiątych XX wieku. Yasushi Akimoto postanowił powrócić do wieloosobowych żeńskich grup idolowych i przeprowadził przesłuchania w 2005 roku. W rezultacie powstała AKB48, bardzo duża grupa żeńska oparta na przedstawieniach teatralnych w tokijskiej dzielnicy Akihabara. AKB48 zmagało się z umiarkowanym sukcesem przez kilka pierwszych lat, zanim ostatecznie trafiło na szczyty list przebojów z ich singlem „ Sakura no Shiori ” z 2010 roku. Jeszcze w tym samym roku ich singiel „ Heavy Rotation ” sprzedał się w ponad 800, 00 egzemplarzy. Dwa miesiące później ich singiel „ Beginner ” sprzedał się w ponad milionie egzemplarzy, co jest rzadkością na obecnym rynku. Od tego czasu wszystkie ich single sprzedały się w ponad milionie egzemplarzy, czasem pierwszego dnia. Sukces AKB48 doprowadził do powstania innych grup rozprysków geograficznych, takich jak SKE48 w Nagoi, NMB48 w Osace, a nawet JKT48 w Dżakarcie w Indonezji.
Wcześniej w 2000 roku koreańska artystka pop BoA zachwyciła się japońską muzyką J-pop, stając się jednym z największych kobiecych biletów tamtych czasów. Chociaż jej popularność z czasem spadła w Japonii, inne koreańskie akty próbowały przedostać się na rynek japoński. Pięcioosobowa męska jednostka Tohoshinki zadebiutowała w Japonii w 2005 roku. Choć wielkie gwiazdy w rodzinnym kraju Korei Południowej, Tohoshinki odniosły minimalny sukces w Japonii do czasu wydania szesnastego japońskiego singla „ Purple Line ” na początku 2008 roku, który był na szczycie list przebojów. Tohoshinki stałby się pierwszą grupą obcojęzyczną, która zajmie pierwsze miejsca na listach przebojów, oraz pierwszą grupą koreańską, która wystąpi w Tokyo Dome. Nawet po rozpadzie członka, która zmniejszyła grupę do duetu, Tohoshinki nadal odnosi ogromny sukces.
Po sukcesie Tohoshinki inne grupy „K-pop”, zarówno męskie, jak i żeńskie, przeszły na rynek japoński i zaczęły wydawać zarówno oryginalną muzykę, jak i japońskie covery swoich koreańskich piosenek. Jedną z pierwszych grup, która się przebiła, była KARA, całkowicie kobieca jednostka, która falowała swoim niesławnym „tańcem doczołowym”. Za nimi szło Shoujo Jidai / Girls 'Generation, które były znane jako najwyżej oceniane tancerze. Inne grupy, takie jak 4minute, 2NE1, BIGBANG, After School, Rainbow, Secret, Super Junior, SHINee i inne, próbowały szczęścia w Japonii z różnym powodzeniem: niektórzy znaleźli lepszą sprzedaż w Japonii niż ich macierzysta baza w Korei Południowej, a inni walczyli aby crossover był tego wart. Niezależnie od tego, ten nagły wzrost zainteresowania K-pop był znany jako „Hallyu Wave”, a grupy K-pop nadal napływają na rynek J-pop, a krytycy zwracają uwagę na surową wymowę i recyklingują koreańskie piosenki.
Podsumowanie
Historia popularnej japońskiej muzyki jest oczywiście ciągłym zjawiskiem, zmieniającym trendy i łączącym się z jej zachodnimi odpowiednikami. Chociaż „J-pop” nie został oficjalnie ukuty do wczesnych lat 90., cała jego historia sięga aż do lat 1910 i oryginalnej epoki jazzu w Japonii. Mając do dyspozycji dziesięciolecia talentu, podsumowanie historii J-popu w kilku krótkich akapitach jest prawie niemożliwe.
